ARTISTES DE L'EDITION 2025

Lisa Chaïb-Auriol, soprano

Originaire de Toulouse, Lisa Chaïb-Auriol commence le chant à la maîtrise du Théâtre du Capitole. Diplômée en chant lyrique et alto du CRR de Toulouse, elle suit une formation de théâtre et un cursus à l'École des Beaux-Arts de Toulouse. À 18 ans, elle rejoint le Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris dans la classe de Frédéric Gindraux et obtient son master après avoir étudié auprès de Léa Pasquel, Jean-Philippe Clerc et Antoine Palloc. Elle poursuit sa formation lors de masterclasses avec Karine Deshayes, Sandrine Piau, Jean-Yves Ossance, Regina Werner, Brigine Jäger, Mireille Delunsch et Jean-Jacques Cubaynes. Primée à deux reprises au Concours de l'Opéra Grand Avignon, Lisa Chaïla-Auriol est finaliste régionale du concours Voix Nouvelles. Elle remporte le prix Engie - Révélation du festival international Les Escapades Musicales ainsi que le prix Jeune Espoir du concours international de Mâcon. Jeune espoir de la première édition du concours Corsa lirica, elle reçoit le prix de l'Opéra national de Montpellier au Concours de Mélodie de Gordes avec la pianiste Ninon Hannecart-Ségal. Elle est lauréate du fonds de Tarrazi ainsi que du legs Maria Godart-Kareska et a obtenu en janvier 2020 le prix de la Vocation de la fondation Marcel Bleustein-Blanchet. Invitée à se produire en récital à l'Opéra Grand Avignon et au Théâtre Thalia de Budapest, elle interprète Pamina et Papagena de La Flûte enchantée de Mozart, Isis de Giove in Argo d'Antonio Lotti sous la direction de Leonardo García Alarcón, Micaëla de Carmen sous la direction de Béatrice Uria Monzon, Suzanne des Noces de Figaro et Sylvia de L'Isola disabitata de Haydn. Formée au répertoire sacré, elle est soliste dans la Passion selon Saint-Matthieu de Bach dirigée par Jos Van Veldhoven à Notre-Dame de Paris, dans le Gloria de Poulenc à la Basilique Saint-Sernin de Toulouse, dans le Requiem de Fauré à l'église de la Madeleine à Paris, ainsi que dans le Requiem de Mozart à la basilique de Reims. En 2021, elle se produit en récital avec Julie Depardieu et dans La Diane Française dirigée par Stéphanie-Marie Degand au Festival Baroque de Pontoise. Lisa Chaib-Auriol rejoint l'Académie de l'Opéra national de Paris en septembre 2023. Elle interprète le rôle de la Bergère et de la Chauvesouris dans la mise en scène de L'Enfant et les sortilèges de Ravel par Richard Jones et Antony McDonald au Palais Garnier ainsi que le rôle de Shirley Kaplan dans Street SceneS sous la direction d'Yshani Perinpanayagam et dans la mise en scène de Ted Huffman à la MC93- Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis.

Emy Gazeilles, mezzo-soprano

La soprano Emy Gazeilles entreprend une carrière remarquée sur le territoire international. Site aux succès remportés lors des divers concours internationaux comme Voix Nouvelles, la soprano est invitée à rejoindre la nouvelle troupe de l’Opéra national de Paris. Depuis, Emy s’est produite dans de nombreux théâtres: Opéra Bastille Paris, Palais Garnier - Paris, Théâtre des Champs-Elysées - Paris, Opéra-Comique - Paris, Chorégies d’Orange, Handel’s Museum - London, Opéra de Lille, Opéra de Rouen Normandie, Opéra Grand Avignon, Opéra de Nice et d’autres encore... Jusqu’à présent, on a pu entendre l’artiste interpréter de nombreux rôles comme Gilda dans Rigoletto - Verdi, Susanna dans Le Nozze di Figaro - W.A Mozart, Pamina dans Die Zauberflöte - W.A Mozart, Cleopatra dans Giulio Cesare - G.F Händel, Lisette dans La Rondine - Puccini, Soeur Constance dans Les dialogues des carmélites - F.Poulenc, Eva / Gabriel dans Die Schöpfung - Haydn, Amore dans Orfeo ed Euridice - Gluck… Emy Gazeilles est considérée comme une véritable étoile montante du chant lyrique par des journaux ou émissions comme Diapason, Classica, Quotidien, France Inter, Musiques en fête, Culturebox, La Provence... L’artiste se produit régulièrement sur des pièces majeures du répertoire lyrique telles que : Les illuminations - B.Britten, Concerto de la fidélité - G.Tailleferre, Gypsy songs - A.Dvorak, Exsultate, jubilat - W.A Mozart... Elle découvre le répertoire baroque sur une production de Semele, mise en scène par Barrie Kosky, dirigée par Emmanuelle Haïm qui su transmettre à Emy sa passion pour cette musique. Son engouement pour ce répertoire se développe ensuite à Londres entourée de The English Concert, dirigée par Harry Bicket, lors d’un événement consacré à Cleopatra et Handel. Emy Gazeilles aime prêter main forte à des challenges qu’elle considère comme des événements exceptionnels. En 2022, elle remplace une collègue au pied levé pour interpréter le Concerto de la fidélité de Germaine Tailleferre avec l’Orchestre de Chambre de Paris à la Philharmonie de Paris.

Moeka Uneno, piano

Moeka Veno a commencé le piano à l'âge de 5 ans. Elle apprend également la percussion, le cor, et la composition. Après ses études au Tokyo Metropolitan Senior High School of the Arts avec Rintaro Akamatsu et Akira Eguchi, elle est admise, en 2019, à l'unanimité au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP) en licence d'accompagnement et de musigue de chambre en 2022. À cette occasion, elle travaille avec | Claude Collet, Billy Eidi, Géraldine Dutroney et Hei-Sung Kang. Moeka décroche ensuite son master de direction de chant (dans les classes d'Erika Guimard et Nathalie Dang) et d'accompagnement vocal (dans les classes d'Anne Le Bozec et Emmanuel Olivier) au CNSMDP en 2024. Elle intègre la classe d'accompagnement vocal de Ralf Heiber à la Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien (MUK) à Vienne en 2023 pour six mois dans le cadre d'un ERASMUS. Elle est sélectionnée à l'académie de la résidence de chant du festival Aix-en-Provence en 2023 et l'académie Solti à Venise en tant que cheffe de chant. Elle est invitée à de nombreux festivals internationaux en tant que pianiste et cheffe de chant, tels que le festival international de Colmar et le Festival transat en ville Rennes. Moeka Uena participe aux nombreux concerts symphoniques de l'Orchestre philharmonique de Radio France en tant que pianiste, sous la direction de chefs d'orchestre renommés tels que Daniel Harding, Mikko Franck, Jakub Hrusa et Pablo Heras-Casado. Elle fait partie de la promotion 2023-2024 de Génération opéra et rejoint l'Académie de l'Opéra national de Paris en septembre 2024.

C’est aussi le nom avec lequel le compositeur et mandoliniste vénézuélien Cristóbal Soto a baptisé cet ensemble, créé à Paris en 1996 par lui-même, le violoniste vénézuélien Alexis Cárdenas, le bassiste et compositeur colombien Nelson Gómez et le guitariste et compositeur colombien Francisco González. RECOVECO devenait ainsi le sigle de la rencontre musicale entre le Venezuela et la Colombie. Depuis lors, les artistes faisant partie de l'ensemble Recoveco sillonnent le monde pour jouer leur musique si particulière où cohabitent allégrement la subtilité des techniques instrumentales académiques, la virtuosité qui jaillit librement de leurs improvisations et la sensualité inhérente aux airs traditionnels de l'Amérique latine.

Il a été lauréat des concours internationaux de violon Tibor Varga (Suisse), Henryk Szeryng (Mexique), Fritz Kreisler (Autriche), Long-Thibaud (France) et Montréal (Canada). Cet artiste s’est produit sur des scènes internationales en Europe, Amérique du Sud, Etats-Unis, Japon, Chine et Russie avec des orchestres prestigieux tels que l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, l’Orchestre Symphonique de Vienne, l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, l’Orchestre Symphonique de Radio France, l'Orchestre Symphonique de Montréal et l'Orchestre Philharmonique de Moscou. Parmi les grands chefs d’orchestre avec lesquels il s’est présenté on trouve Lawrence Foster, Pavel Kogan, Marek Janowski, Alondra de la Parra et Gustavo Dudamel. Né à Maracaibo (Venezuela) en 1976, Alexis Cárdenas a commencé ses études de violon à l’âge de sept ans. A 12 ans il a joué le concert pour violon et orchestre Op. 64 de Félix Mendelssohn, et l’année suivante il a interprété le concert de Piotr Ilitch Tchaïkovski. Il continue sa formation à la Julliard School of Music de New York avec Margaret Pardee, et en 1995 il s’établit en France pour étudier au Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris (CNSMD). Il y a reçu l’orientation des maîtres Olivier Charlier, Jean-Jacques Kantorow et Roland Daugareil. À la fin de ses études au CNSMD, il reçoit le Premier Prix à l’unanimité et avec des honneurs. Alexis a collaboré avec des artistes tels que l’accordéoniste Richard Galliano, la pianiste Gabriela Montero, le guitariste Yamandú Costa, le Trio Wanderer, les violonistes Didier Lockwood et Régis Pasquier, le guitariste Goran Bregovic, le bassiste Avishai Cohen et le mandoliniste Hamilton de Holanda, entre autres. Alexis Cárdenas est actuellement premier violon super-soliste de l’Orchestre National d’Ile-de-France, à Paris.

Floriane Hasler, mezzo

Elle fait ses débuts dans Orlofsky (Die Fledermaus de J.Strauss) à la Philharmonie de Paris, Orphée (Orphée et Eurydice de Gluck) à l'Atelier lyrique de Tourcoing, et Enrico (Elisabetta Regina d'Inghilterra de Rossini) à l'Opéra de Marseille. Plus récemment, elle chante Mercedes (Carmen) au Teatro San Carlo de Naples, à l'Opéra de Rouen et au théâtre des Champs-Elysées. Elle se voit ensuite confier le rôle titre de Cenerentola, Angelina, au théâtre du Capitole de Toulouse. Elle interprète Bradamante (Alcina) au Festival de Beaune et fait ses premiers pas sur la scène de l'Opéra du Rhin dans les Rôles de Nicklausse et la Muse (Les Contes d'Hoffmann). Nommée dans la catégorie «révélation artiste lyrique» aux Victoires de la Musique, la mezzo-soprano Floriane Hasler termine son cursus au CNSMDP avec un master mention Très Bien à l'unanimité. Elle est lauréate de la Queen Elisabeth Competition 2023 (4ème prix), des 1ers Prix des Concours Internationaux de Froville (musique baroque) et de Canari (opéra), Talent Adami 2022 et figure parmi les artistes de la promotion 23/24 de Génération Opéra. En concert, elle se produit avec l'Orchestre National de Strasbourg et chante les Nisi Dominus et Stabat Mater de Vivaldi avec Philippe Pierlot. Avec Vincent Dumestre, elle enregistre les rôles de Didone et Volupia (l'Egisto de Cavalli) pour le Label Chateau de Versailles spectacles, puis Bellone (Médée de M.A Charpentier) et Diane (Iphigénie et Tauride de Desmarest et Campra) sous la direction d'Hervé Niquet chez Alpha Classics.

Livia Louis-Joseph Dogué

Née en 2003 en Martinique, Livia LOUIS-JOSEPH-DOGUÉ manifeste dès son plus jeune âge une passion pour les arts. Elle commence à chanter à l’âge de 3 ans, explorant des genres variés tels que la pop, le RnB et le jazz. Encouragée par sa mère, Livia rejoint une chorale religieuse avant d’être repérée par sa professeure de chant au collège, Madame Norma Gomez. C’est cette dernière qui la pousse à participer, en autodidacte, au Concours Voix des Outre-Mers en 2018. Bien que n’étant pas destinée à l’art lyrique, elle découvre sa voie grâce à son parrain, Fabrice Di Falco, qui révèle en elle une voix lyrique insoupçonnée. Cette rencontre avec le chant classique, exigeant et technique, bouleverse son parcours. Curieuse, perfectionniste et admirative de ce nouveau style, Livia décide de s’y consacrer pleinement. Encadrée par des professionnels, elle remporte en 2018 la catégorie « jeune talent » à l’échelle régionale, lors de la première édition du concours à Saint-Pierre en Martinique, puis à l’échelle nationale à Paris en 2019, ce qui marque un tournant décisif. À la suite de cette victoire, elle réalise des concerts sur de prestigieuses scènes telles que Tropiques Atrium, Vill’Opera, l’Opéra de Paris, ou encore l’Olympia pour France 2. Elle participe également à plusieurs Concours, dont Prodiges, où elle remporte en 2019 la catégorie chant de la 6ᵉ édition. Cependant, Livia garde un objectif clair : se perfectionner pour bâtir une carrière solide. Déterminée, Livia quitte la Martinique pour s’installer en France métropolitaine, où elle suit des études d’arts plastiques à la Sorbonne et de chant au Conservatoire d’Issy-les-Moulineaux, sous la direction d’Anaïs Hugues-Balent. Elle allie ainsi passion et profession dans un désir de poursuivre une formation pédagogique rigoureuse. En parallèle, elle rend hommage à la soprano martiniquaise Christiane Eda-Pierre lors de concerts à Paris, Avignon et au festival Filao en Martinique. Toujours désireuse de se perfectionner, elle travaille avec des figures reconnues du milieu lyrique telles que Thomas Hampson, Karine Deshayes, Étienne Dupuis et Kamal Khan, ainsi qu’avec des chefs de chant renommés comme Edward Liddall, JeffCohen et Kazuko Iwashima.

Annalissa Orlando, piano

Annalisa Orlando a commencé ses études de piano au Conservatoire de Monopoli dans les Pouilles avec Benedetto Lupo et Carlo Gallo, en obtenant son diplôme avec les meilleures notes et la mention spéciale de la commission. En Allemagne, elle approndi son répertoire de musique de chambre aux côtés de Scott Faigen à la Musikhochschule de Mannheim, tout en se consacrant au répertoire pour piano et instruments à cordes ainsi qu'aux lieders et mélodies. Elle s’est produite avec des solistes de renommée internationale tels que le contrebassiste Bozo Paradzik, avec lequel elle a enregistré la quasi-totalité de l’œuvre pour contrebasse et piano de Franzisek Hertl. En tant que pianiste collaboratrice, elle a accompagné les cours d’artistes tels que Bozo Paradzik, Marco Rizzi et Janne Saksala ( Premier contrebassiste soliste du Berliner Philarmoniker). Depuis 2019 elle enseigne à la Musikhochschule de Fribourg en Breisgau et depuis 2023 elle est pianiste cheffe de chant à l’Opera Studio de l’Opera National du Rhin. Visant à explorer le monde de la voix, elle a participé aux productions de Fantasticks, Korngold enfant prodige et Les Fables de La Fontaine. Passionnée de musique contemporaine, elle collabore avec divers compositeurs comme Jalalu Kalvert-Nelson et Ivan Fedele et interpréte la 5ème sonate pour piano de Salvatore Sciarrino dans le cadre des concerts IDEA du Divertimento Ensemble. le projet remporte le prix Abbiati 2023 de la critique italienne. Elle se produit régulièrement en tant que soliste et au sein d'ensembles de musique de chambre en Allemagne, Italie, France, Belgique et en Angleterre. Parmi ses concerts les plus importants, on peut citer ceux du Royal College de musique de Londres (concerts retransmis par RadioVatican) ; à Milan pour la Società Umanitaria, Società del Quartetto, Divertimento Ensemble (GAM, Museo del 900) ; à Rome au Musée Trajan ; au Conservatoire de Genève ; à Pescara pour l’Accademia Musicale Pescarese, à Lecce pour la Camerata Musicale Salentina et Le Muse Salentine, à Venise pour la Fondazione Cini, à Lucca pour la Lucca Classica ; à Bologne pour la Musica Insieme ; à Stuttgart pour l'Institut culturel italien; à Mannheim pour la Gesellschaft fur Neue Musik et le NTM (MannheimerSommer 2018) ; aux "Kirchheimer Liedersommer" (représentations diffusées par SWR Rundfunk) ; à Heidelberg pour Live Music Now Rhein-Neckar ; à Bruxelles pour Art Base ; à Strasbourg et à Colmar dans de nombreuses productions de l’opera studio de l'Opéra National du Rhin, à Prague pour l’Académie de musique, à Lubljana pour le Lubljana Festival, à Bienne pour Interklang. Annalisa est lauréate de divers concours nationaux et internationaux. Elle obtient la mention spéciale du jury au "12e Concours d'esecuzione musicale - Società Umanitaria Milano'' et au''Prix Lamberto Brunelli 2013'' , le prix spécial des ''Coop Music Awards 2018'' en duo avec le violoniste Marco Gialluca. Elle a été boursière du club Yehudi Menuhin-LMN et du Rotary Club de Ludwigshafen.

Parallèlement à leurs brillants parcours de solistes et chambristes confirmées, les sœurs Hallynck ont toujours gardé un espace pour leur duo dont elles nourrissent constamment le répertoire aussi atypique qu’irrésistible en proposant au public des programmes incluant œuvres originales et transcriptions réalisées par leur soin, au gré de leurs découvertes. Si la harpe peut se montrer aérienne et généreuse, dès lors qu’elle enveloppe la violoncelle de ses arpèges résonnants, elle peut également se montrer incisive et espiègle, lorsque le jeu se fait plus percussif. Un concert du duo, c’est donc une invitation à la découverte d’un monde sonore chatoyant, dans lequel l’auditeur, qu’il soit charmé par le mélange des timbres des deux instruments, ou amusé par la virtuosité des deux interprètes, savourera à chaque instant leur merveilleuse complicité.

Diplômé d’un master de musique de chambre dans la classe de François Salque au CNSMDP, le Quatuor a étudié auprès d'Hatto Beyerle (Quatuor Alban Berg) à l’ECMA. Après un cycle de perfectionnement à l’Université de Musique de Vienne (MDW Wien) avec Johannes Meissl, il est désormais en résidence à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth sous la direction de Corina Belcea, Miguel Da Silva et Jean-Claude Vanden Eynden. Il poursuit également son apprentissage avec Günter Pichler (Quatuor Alban Berg) à Madrid et le Quatuor Modigliani à Paris, et a bénéficié des conseils du Quatuor Ebène, du Quatuor Kronos, d'Ori Kam, Valentin Erben, Christophe Coin, Eckart Runge, Petr Prause, Alfred Brendel, Itamar Golan et Patrick Jüdt. Prix ProQuartet du concours européen de la FNAPEC, boursier et lauréat de l’Académie Ravel, le Quatuor Métamorphoses est également lauréat du Tremplin pour jeunes Quatuors de la Philharmonie de Paris, et lauréat de la fondation de l’abbaye de Royaumont et de Villefavard. Ce parcours les amène à se produire dans des salles prestigieuses : Wigmore Hall, Philharmonie de Paris, Franz Liszt Academy Budapest, Teatro Goldoni de Florence, ainsi qu’aux Festivals de Prades, Quatuors à Bordeaux, Cordes sur Ciel, des Arcs et Radio Classique. Ils jouent aux côtés des Quatuors Hermès et Zaïde, ainsi que de Nemanja Radulovic, Pierre Génisson, François Salque, Emmanuelle Bertrand, Roman Borisov et Aurélien Pontier. Le répertoire du Quatuor Métamorphoses s'étend des grands maîtres du genre aux répertoires contemporains et met en lumière des œuvres méconnues à travers des projets innovants, comme Du coq à l’alouette (2022) ou Une pièce bien à elles, consacré aux œuvres du matrimoine. Le Quatuor Métamorphoses est actuellement artiste en résidence à la Fondation Singer-Polignac ainsi qu'à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth (Waterloo, Belgique).

Il a dirigé l’Orchestre Symphonique du Pays Basque aux côtés de Thibault Cauvin et du Malandain Ballet, et est régulièrement invité à diriger l’Orchestre Symphonique du Conservatoire Régional du Grand-Nancy. Il se produit également en tant que pianiste soliste et en récital, confirmant ainsi un talent rare et original. Très attaché à la transmission, il intervient régulièrement dans des masterclasses et auprès de jeunes musiciens. Il cherche à casser les codes et à créer des passerelles entre les disciplines, ouvrant la musique classique à de nouveaux publics. Né en 1985, il débute au Conservatoire National de Région de Bordeaux avant d’intégrer la classe de direction d’orchestre de l’École Normale de Musique Alfred Cortot de Paris, où il devient le plus jeune diplômé de cette institution. Il est également diplômé de la Royal Academy de Londres et de la Juilliard School de New York. Lauréat de plusieurs concours internationaux, il a travaillé avec de grands chefs tels que Yutaka Sado, Armin Jordan, Jesùs Lopez Cobos, Hannu Lintu, Paavo Järvi et Claudio Abbado. Passionné par le dépassement des frontières artistiques, il a récemment obtenu un Master 2 en orthophonie, alliant ainsi musique et santé.

Son vaste répertoire s’étend de Bach aux compositeurs contemporains. Elle est dédicataire de plusieurs œuvres, et est reconnue comme l'une des interprètes majeures de Horatiu Radulescu. Formée aux sources de l’école roumaine de piano comme Dinu Lipatti, Clara Haskil et Radu Lupu, Dana Ciocarlie a également étudié à Paris auprès de Victoria Melki, Dominique Merlet et Georges Pludermacher. Son talent a été récompensé par de nombreux prix internationaux prestigieux. Sa rencontre avec le pianiste allemand Christian Zacharias sera déterminante, en particulier pour approfondir l'œuvre pour piano de Franz Schubert. Elle s’est produite dans les plus grandes salles parisiennes (Cité de la Musique, Théâtre des Champs-Élysées, Salle Pleyel, Musée d'Orsay, auditorium du Louvre, Théâtre du Châtelet, amphithéâtre de l’Opéra Bastille...) et à travers le monde (États-Unis, Canada, Asie, Europe). galement habituée des grands festivals français de musique classique, la pianiste roumaine a participé plusieurs fois à la Folle Journée de Nantes, La Roque d'Anthéron, La Grange de Meslay, Festival Radio France Occitanie Montpellier, Berlioz à La Côte Saint-André, Piano aux Jacobins à Toulouse, les Flâneries Musicales de Reims, l’Orangerie de Sceaux, le Festival du Périgord Noir, Auvers-sur-Oise, le Printemps des Arts de Monte Carlo, l’Abbaye de Fontevraud, le Festival Chopin à Bagatelle…

Cette expérience plurielle et exigeante trouve un écho dans ses activités d'enseignant à la Haute Ecole de Musique Genève-Neuchâtel, ou il occupe actuellement un poste de professeur de violon. Ce sont des rencontres marquantes qui conduisent naturellement Pierre à la pédagogie. Enfant prodige, Pierre Eoucbenneret commence ses études au Conservatoire à rayonnement régional de Nice dans la classe de Alain Babouchian et les termine à 16 ans au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris en musique de chambre et en violon dans les classes de Daria Hovora et Olivier Charlier, dont il deviendra l'assistant. Au sortir de ses études, de nombreuses distinctions engagent immédiatement Pierre vers une intense activité de concertiste. Invité sur les scènes du monde entier, l'« archet hors norme » (Le Figaro) de Pierre Eouchenneret est rapidement amené à jouer avec des musiciens d'exception avec qui se tissent des projets pharaoniques. Il fonde le quatuor Strada avec qui il partage de nombreuses entreprises par lesquelles naissent des intégrales: celle de la musique de Brahms en douze albums (BRecords), celle des sonates pour piano et violon de Beethoven (Aparte), celle de la musique de Robert Schumann (BRecords), comprenant elle aussi le concerto pour violon, et celle de la musique de chambre de Gabriel Fauré (Aparte) ainsi que du rare concerto pour violon qu'il interprète avec l'orchestre symphonique de la radio-télévision irlandaise, à paraître chez Naxos.

Premier Prix du Concours International des Jeunesses Musicales à Belgrade en 1977 et du Concours International Robert Casadesus à Cleveland en 1981, il remporte en 1985 la Médaille d’Argent du Concours International Van Cliburn. Son premier grand récital au Carnegie Hall de New York en 1987 a été très acclamé. Dès lors, il s’est produit dans les salles les plus réputées, tant en Amérique (Orchestra Hall de Chicago, Kennedy Center à Washington, Philadelphie, Boston, San Francisco, Houston…) qu’en Europe (Wigmore Hall à Londres, Philharmonie de Berlin, Konzerthaus de Vienne, Milan, Madrid, Hambourg…), ainsi qu’au Japon, en Chine et en Australie. Depuis octobre 2018, Philippe Bianconi enseigne à l’École Normale de Musique de Paris-Alfred Cortot.

Luka Ispir, violon

Formé à Rennes, au CNSMDP, s'étant perfectionné avec Silvia Marcovici et Renaud Capusen, aux académies Jaroussky, Kronberg et Villecreze. Luka cofoude le Philia Trio. Comme soliste, il se produit dans de nombreux festivals avec des erchestres prestigieus, et a retaposté le 2e prix au Vittorio Veneto. Jouant un violon Pressenda prêté par la collection Michael Guttman, il est résident à la Chapelle musicale Reine Élisabeth avec Augustin Dumay.

Leo Ispir, violoncelle

Léo commence le violencelle à 7 ans au CRR de Paris puis au CNSMDP. Il se produit avec L'octuor Cello mais aussi eu soliste dans le monde entier. Lauréat de plusieurs concours internationaux, il a enregistré un album et joué sous la baguette de chefs prestigieus. Léo joue un violencelle de Jean-Baptiste Vuillaume prêté par la collection Michael Guttman, et résident à La Chapelle musicale Reine Élisabeth avec Gary Hoffman.

Après avoir créé plusieurs oeuvres du compositeur Dimitri Tchesnokov (Alleluia, 2009 ; Sengoku no yo, 2010 ; Concerto n°2 pour choeur et piano, 2013) en parallèle de programmes mêlant musiques allemandes et françaises, Fiat Cantus enregistre en 2018 son premier disque, Ode à la France, consacré aux inédits pour choeur et piano de l’époque de la première guerre mondiale. Le succès de ce disque (5 diapasons, 3 coeurs Forum opéra,…) allié au travail entrepris ces dernières années, permit au choeur de collaborer ces dernières saisons avec des phalanges orchestrales reconnues (orchestre de Chambre de Paris, l’orchestre de l’opéra de Rouen-Normandie, l’orchestre national d’Ile-de France,…) pour différentes productions données au théâtre des Champs Elysées, aux Folies Bergère, au Théâtre Impérial de Compiègne,… Durant la saison 2020-2021, Fiat Cantus a vu, malgré le contexte sanitaire, la sortie de la musique du long-métrage Meander, acclamé par la critique (plus de 10 victoires et 50 nominations en festivals), ainsi que la réalisation de deux enregistrements : l’un, télévisuel, pour les émissions cultuelles de France 2, et l’autre, en disque à paraître, d’œuvres inédites du patrimoine choral français du XXe siècle (De La Presle, Caby, Chaminade, Saint-Saëns), avec le soutien des éditions Enoch et de divers mécènes et fondations.

En tant que soliste, il s’est produit en France (Salle Gaveau, Salle Cortot, Palais du Luxembourg, Théâtre de Poissy…) et à l’étranger (Siège des Nations Unies à Genève, Opéra de Téhéran, Etats-Unis, Mexique, Belgique, Allemagne), dans les œuvres concertantes de Dvorák, Saint-Saëns, Lekeu, Beethoven, Tchaïkovski, Haydn… Il aime à élargir le répertoire de son instrument en donnant des transcriptions de pièces pour violon de Bach ou de Brahms ainsi que les œuvres de compositeurs français tels que Boëllmann, Vierne, Lekeu, Poulenc, Franck et leurs successeurs d’aujourd’hui.

grâce à la confiance d’un collectif : c’est toujours sur le lien, le partage, l’excellence accessible à chacun et une dynamique d’intérêt général que s’inscrivent son engagement et ses nombreuses actions. Pejman est à l’origine de la première tournée d’un orchestre occidental en Iran depuis la révolution, mais aussi de master classes avec le soutien de l’ambassade de France pour contribuer au dialogue des civilisations. Il est également le créateur de la PhilharMobile : un auditorium mobile unique de par ses qualités acoustiques et techniques, permettant de briser l’intimidation sociale que peuvent engendrer certains lieux de culture, et d’aller à la rencontre de tous les publics dans des sites patrimoniaux, naturels ou QPV. A travers l’ensemble de ces engagements se dresse le portrait d’un homme de vision, de conviction et d’action. Défenseur du dialogue entre les cultures, entre les continents, les civilisations, les publics (éclairés ou novices), Pejman nous interroge sur le sens de l’histoire, crée des correspondances (Mozart, son époque et le champagne), renforce les liens entre habitants d’un même territoire malgré leur diversité (Bassin d’Arcachon, Yvelines, Champagne…). Passionné et curieux, il n’aime rien plus que l’hybridation artistique et l’approche pluridisciplinaire permettant de toucher le plus large public en lui offrant toujours « le meilleur pour chacun, plutôt que le mainstream pour tous » ! Il incarne l’esthétique musicale et philosophique qu’il défend avec Génération Mozart. A travers sa créativité et ses innovations permanentes, c’est un admirateur des Lumières venu d’Orient, qui fait rayonner avec flamme et vigueur la culture de l’Occident. C’est fort de son altérité et de sa pleine intégration, qu’il nous permet d’écrire ensemble un nouveau récit collectif inspirant, inclusif et ambitieux, que ce soit à l’échelle régionale, nationale et demain internationale.

Ses engagements lui ont valu d’être nommé membre de l’Observatoire de la diversité du CSA (Arcom) durant deux mandats. En 2023, Pejman fonde l’Association La Maison France Iran.

Depuis 2004, l’orchestre est placé sous la direction de Gilles Colliard - virtuose du violon, mais également compositeur et chef d'orchestre. Choisissant d’aller au bout de sa démarche d’authenticité, il propose des concerts baroques sur instruments anciens, mais aussi des concerts modernes avec les instruments actuels, ou encore des programmes réunissant les deux instruments. Spécialiste de la musique baroque, Gilles Colliard a fait de l'orchestre un vrai ensemble baroque, sans pour autant renoncer aux répertoires classique, romantique et contemporain. Baroque par son exubérance, par le jaillissement de sa créativité, par le jeu sur instruments d’époque, l’Orchestre de Chambre de Toulouse est éminemment contemporain dans son approche des interprétations et dans le rapport qu’il établit avec son public.

Il se produit régulièrement avec les plus grands solistes, tels Christophe Coin, Gautier Capuçon, Natalie Dessay, Régis Pasquier, Michel Lethiec ou David Kadouch pour ne parler que de l'histoire récente, et collabore avec des ensembles vocaux comme le Chœur des Éléments et l'Escale Chromatique. La formation française est l'invitée de nombreux festivals en France (La Chaise-Dieu, La Vézère, Pablo Casals à Prades, Septembre Musical de l’Orne…), comme à l'étranger (Japon, Suède, Suisse, Espagne, Bermudes, Nouvelle-Calédonie, Italie…).

L’orchestre enregistre également avec des labels prestigieux tels Emi Classics et Warner. Salles de concert, églises, centres culturels, écoles, universités, et même parfois usines : l’Orchestre de Chambre de Toulouse propose au public plus de 160 concerts thématiques chaque année. Il s'est produit sur tous les continents, visitant plus de 30 pays et donnant depuis ses débuts plus de 6 000 concerts à un public fidèle. La Saison d'abonnement proposée par l’orchestre (40 concerts) est devenue incontournable dans la vie musicale de la métropole toulousaine et au-delà, avec un public toujours plus nombreux. L'Orchestre de Chambre de Toulouse est un ensemble reconnu en France et à l'étranger. L’Orchestre de Chambre de Toulouse est conventionné par le ministère de la Culture, la Ville de Toulouse, Toulouse Métropole, la Région Occitanie et le Conseil départemental de la Haute-Garonne.

Dans sa discographie récente, notons le CD Jean Cartan, partir avec un idéal en tant que pianiste avec le ténor Kaëlig Boché (Hortus 2020) également récompensé de 5 diapasons, 4 étoiles Classica, matinale de France Musique,… ; le CD Ode à la France à la direction de Fiat Cantus, récompensé de 5 diapasons (Hortus 2018) ; le Stabat Mater d’A. Scarlatti, enregistré avec l’ensemble Zene (dir. B. Kele-Baujard) en qualité d’organiste continuiste (Klarthe 2017) ; la Misatango de Martin Palmeri comme pianiste soliste, accompagné de l’orchestre Pasdeloup et du choeur régional d’Ile-De-France (dir. M. Piquemal) ; ou encore la contribution comme chef de chant et conseiller artistique au CD Canons et Plaisanteries d’Accentus, paru au sein de l’intégrale Beethoven chez Warner (2020). Enfin, passionné par la dimension visuelle de la musique, il collabore régulièrement avec les metteurs en scène Luc Clémentin, Hubert Colas, Charlotte Nessi et Coline Serreau sur des spectacles mêlant arts scéniques et musique classique, donnés entre autres à l’amphithéâtre de l’opéra Bastille, l’opéra de Saint-Étienne, l’opéra de Vichy…

Baptiste Herbin, saxophone

« La beauté du son de son saxophone est sans doute la première qualité qui saute à l’oreille, l’étonnante volubilité et maîtrise technique de son jeu s’impose avec l’évidence simple d’un indubitable talent ». Jean-Pierre Jackson, Classica. Originaire de Chartres, Baptiste Herbin a appris le saxophone aux côtés de Jean-Louis Mounier avant de faire ses armes dans le jazz aux côtés de Julien Lourau, Jean-Jacques Rulhmann, Jean-Charles Richard ainsi que dans la classe de jazz de Riccardo Del Fra au CNSM de Paris. Son parcours a été marqué par les influences de grands noms du jazz comme Charlie Parker, Cannonball Adderley ou John Coltrane, des compositeurs classiques tels que Bach, Debussy, Ravel, ou encore les musiques malgaches, brésiliennes, et des balkans. Situé au carrefour de ces influences, le jeu de Baptiste se distingue par sa richesse, sa délicatesse et son audace. Son premier album Brother Stoon lui a valu une nomination aux victoires du jazz en 2013 dans la catégorie « Révélation de l’année ». Il a par la suite inscrit son nom au panthéon du jazz français en remportant le prestigieux prix Django Reinhardt de musicien de l’année décerné par l’académie du jazz en 2019. En parallèle de ses activités de musicien, Baptiste contribue à l’innovation de son instrument en développant un nouveau prototype de saxophone avec Selmer qui sortira courant 2020, mais aussi en développant un nouveau bec d’alto en collaboration avec Vandoren : le V16S+. Se produisant dans les plus grands festivals du monde entier, Baptiste s’est forgé une renommée internationale qui l’a amené à collaborer auprès des plus grands musiciens tels que Stefano di Battista, Ed Motta, Charles Aznavour, Roy Hargrove, Alain Jean Marie, Mark Gross ou Marcs Gilmore pour ne citer qu’eux. Il a également participé à près d’une cinquantaine d’enregistrements aux côtés d’artistes variés parmi lesquels figurent Keith Brown (Sweet and Lovely, 2011), Aldo Romano (New Blood : the connection, 2012), le quatuor Fireworks avec Jean-Charles Richard, Stéphane Guillaume et Vincent David (2015), le quintet O Brasil do saxofone avec Ademir Junior (2017) ou encore Darryl Hall (2019).

André Ceccarelli, batterie

Né le 5 janvier 1946 à Nice, André Ceccarelli est un batteur de jazz français de renom. Il commence sa carrière très jeune en jouant dans les salons de l’Hôtel Royal de Nice avant d’être repéré par Les Chats Sauvages, groupe de rock dont il devient le batteur en 1962. Après quelques années dans la variété et le studio, il s’oriente définitivement vers le jazz, sa passion de toujours. Dès les années 1970, il collabore avec des artistes majeurs tels que Stéphane Grappelli, Stan Getz, John McLaughlin, Michel Legrand et Quincy Jones. Il joue aussi avec Didier Lockwood, Richard Galliano, Dee Dee Bridgewater, Chick Corea et fait partie de plusieurs formations notables, dont Troc et Trio Sud. Il s’illustre aussi dans le jazz fusion aux États-Unis avec le groupe BNTF, aux côtés de Michael et Randy Brecker. Leader et sideman prolifique, il enregistre de nombreux albums marquants, dont Hat Snatcher (1992) et Ultimo (2013), qui célèbre ses 50 ans de carrière. Son talent a été salué par plusieurs distinctions, notamment les Victoires du Jazz en 1993 pour Hat Snatcher (Album jazz instrumental de l'année) et une Victoire d’honneur en 2011 pour l’ensemble de sa carrière. Il est aussi parrain du Nice Jazz Festival en 2013 et du festival « Jazz à toute heure ». Passionné par la transmission, il participe à des projets pédagogiques, notamment via la plateforme Imusic-school. Véritable légende du jazz français, André Ceccarelli est reconnu pour son jeu précis, élégant et sa capacité à sublimer chaque formation dans laquelle il s’inscrit.

Sylvain Romano, contrebasse

Né le 26 mars 1980 à Marseille, Sylvain Romano est un contrebassiste de jazz reconnu pour son talent et sa polyvalence. Il débute son apprentissage musical au Conservatoire de Marseille, où il se forme à la contrebasse classique avec rigueur et passion. Son excellence lui vaut d'obtenir un diplôme prestigieux, ainsi qu'une médaille d’or en jazz en 2002. Après ses études, Sylvain Romano s’installe à Paris, où il s’intègre rapidement à la scène jazz effervescente de la capitale. Au fil des années, Sylvain Romano développe un style riche et expressif, influencé par des figures majeures comme Siegfried Kessler, Jerry Bergonzi et René Mailhes. Il multiplie les collaborations avec des musiciens de renom, jouant aux côtés de François Théberge, Patricia Barber et Laurent de Wilde. Un tournant clé de sa carrière survient lorsqu'il rejoint les frères Belmondo, participant à des projets marquants comme le sextuor Belmondo-Yusef Lateef, qui mêle jazz et influences orientales. Aujourd’hui, Sylvain Romano joue aux côtés du pianiste Jacky Terrasson, avec qui il explore de nouvelles sonorités et enrichit encore son jeu. Grâce à sa technique irréprochable et à son sens exceptionnel de l’accompagnement, il s’est imposé comme une référence incontournable du jazz contemporain. Son jeu précis et inspiré continue de captiver les auditeurs et de faire de lui un sideman recherché, tant sur scène qu’en studio.

Les instruments du "Quintette de Rêve" :

• Violon 1 : conçu par Joël Klépal sur un modèle d'Antonio Stradivarius.
• Violon 2 : conçu par Samuel Péguiron sur un modèle de Guarnerius Del Gesus.
• Alto : conçu par Fany Bourel sur un modèle de Niccolò Amati.
• Violoncelle : conçu par Jean-Louis Prochasson sur un modèle de Mateo Goffriller.
• Contrebasse : conçue par Antoine Lescombe sur un modèle de Guiseppe Testore.

Ces instruments qui ont été construits grâce au soutien de la Fondation d’entreprise AG2R LA MONDIALE pour la vitalité artistique, seront un outil remarquable, constitutif du son comme de l’esprit de l’ensemble Génération Mozart. Plongez avec nous dans le Sturm und Drang afin de comprendre l’avènement du romantisme dans des programmations originales alliant chefs-d’œuvre et découvertes à la portée de tous.

Le projet a reçu le "Prix Étoile de la Culture 2022" de la Fondation d'entreprise AG2R LA MONDIALE pour la vitalité artistique.

Distribution :

• , violon I
• , alto
• Pejman, violoncelle
• , contrebasse

En 2021, il rentre au conservatoire supérieur de musique et de danse de Paris, dans la classe d’Alain Buet, puis entre dans la classe d'Amaya Dominguez en 2023. En Avril 2022 il enregistre avec la Chapelle Rhénane les 7 dernières paroles du Christ de Haydn, avant de retrouver cet ensemble en Novembre 2022 en tant que basse soliste dans le requiem de Mozart. En Mars 2023 il incarne Neptune dans le prologue de Didon et Enée dirigé par Leonardo García Alarcón, et participe en Juin 2023 à la demi-finale nationale du concours Voix Nouvelles. En Juillet 2024 il est baryton soliste dans le requiem de Brahms avec la maîtrise de Notre-Dame de Paris dirigée par Henri Chalet.

Laetitia Ruccolo s’est largement produite en tant qu’artiste solo, ainsi qu’en tant que pianiste collaboratrice avec des ensembles de chambre, des chanteurs et des orchestres en France, en Italie, en Angleterre, en Allemagne, en Autriche, au Portugal et en Israël. À New York, elle s’est produite au Carnegie Hall, au Alice Tully Hall, à la New York Historical Society, au musée de la ville de New York et au Metropolitan Opera Guild. Passionnée de chansons d’art, Mme Ruccolo s’est produite au SongFest en Californie et a été invitée deux fois à l’Institut Schubert en Autriche, où elle a travaillé avec des pianistes tels que Julius Drake, Helmut Deutsch, Roger Vignoles et Graham Johnson, ainsi que des chanteurs Christa Ludwig, Robert Holl et Elly Hameling. Laetitia était une jeune artiste au National Opera Studio de Londres et a été en résidence au Royal Opera House, au Welsh National Opera et à l’Opera North. Diplômée de l’École Normale de Musique de Paris, de l’Université Mozarteum de Salzbourg et du Mannes College of Music de New York, elle est également diplômée en langues et littérature étrangères de l’Université d’Aix-Marseille. Elle parle couramment cinq langues.

Laurent de Wilde a été nommé Meilleur Espoir, puis Meilleur Musicien aux Victoires du Jazz, Prix Django Reinhardt par l’Académie du Jazz et Grand Prix Sacem pour l’ensemble de son œuvre. Laurent de Wilde est l’auteur de deux livres sur la musique : Monk, paru chez Gallimard en 1996 et Les fous du son en 2016, tous deux réédités en folio. Il a également collaboré à de nombreuses publications pour Jazzman ou Jazz Magazine et a co-réalisé deux documentaires pour Arte : Monk et Mingus. En 2012 et en 2022, il fut le maître de cérémonie des dix et vingt ans des Victoires du Jazz. Créé à l’origine pour assurer l’autonomie des productions de Laurent, le Label Gazebo accueille depuis 2016 des artistes comme Eric Le Lann, Paul Lay, Pierrick Pedron ou Géraldine Laurent pour des enregistrements primés à plusieurs reprises aux Victoires. Il produit et réalise également pour les éditions Milan les enregistrements du conteur Souleymane Mbodj et ses Contes d’Afrique. Laurent de Wilde a animé de 2016 à 2020 l’émission hebdomadaire “Portraits in Jazz“ pour TSF et a rejoint depuis Radio Classique où il propose une quotidienne de 19 à 20h intitulée “On the Wilde Side“.

Donald Kontomanou, batterie

Issu d’une famille de musiciens, Donald Kontomanou commence la batterie à l’âge de 12 ans. Il émigre à New York trois ans plus tard et se forme auprès de nombreux musiciens de talent : il joue dans le groupe de J-D Allen, le quintet de Duane Eubanks, le quartet d’Alex Harding, avec Jean-Michel Pilc, le saxophoniste Greg Tardy, Sam Newsome, Stéphane Belmondo. Il passe ensuite un an en Inde pour s’initier à la technique des tablas, avant de s’installer à Paris en 2002. Il a enregistré plusieurs albums avec la chanteuse Élisabeth Kontomanou : Back To My Groove, Siren Song, Waiting For Spring en compagnie notamment de John Scofield. Il se produit avec Vincent Bourjeyx, Rick Margitza, Jean-Michel Pilc, Sophie Alour, Bruce Barth, Jérôme Sabbagh et joue dans les groupes de Leïla Olivesi, Gamblin Jazze Laurent De Wilde Sextet, Laurent De wilde Trio, Élisabeth Kontomanou, Laurent Coq et Julien Lourau, David Linx, Éric Lelann, Yonathan Avishai, Géraldine Laurent, Sophie Alour.

Jerôme Regard, contrebasse

Jérôme Regard est un musicien et enseignant très convoité. Contrebassiste et bassiste électrique, c’est un musicien éclectique, ce qui en fait un sideman très apprécié et recherché. En concert, il aura fait résonner sa contrebasse dans différentes formations. Notamment auprès de Manu Katché, le Paris Jazz Big Band, Jan Garbarek, Bob Mintzer, Michel Legrand, Stefano Di Battista, Daniel Humair, Vincent Peirani, Émile Parisien, Flavio Boltro, Rosario Giuliani, Louis Winsberg, Sylvain Luc, Michel Perez, Jean-Christophe Maillard, André Ceccarelli, Sylvain Beuf, Manu Codjia, Daniel Mille, Éric Legnini, Médéric Collignon, Alfio Origlio, Alexandre Tassel, Nicolas Folmer, Éric Prost, Marcia Maria, Stéphane Huchard, Nicolas Viccaro, Thierry Maillard, Jean-Pierre Como, Grégory Privat, Rick Margitza, Aldo Romano, Thierry Eliez, Laurent Cugny, Benjamin Henocq, Stéphane Chausse, Manuel Rocheman, Stéphane Belmondo, Olivier Ker Ourio, Stéphane Guillaume, Laurent de Wilde, Antonio Faraò, Maurane, Charles Aznavour, Michel Jonasz… Il a participé à de nombreux festivals. A défaut d’être exhaustif, citons Vienne, Bruxelles, Nice, Montréal, Juan-les-Pins, Manille, Grenoble, Sarajevo, Lille, Toulon, Junas, Marly, Milan, Crest, Radio France, Marciac, Festival de la Villette, Genk, Wroclaw, Vaulx-en-Velin, Souillac, Prague, Rive-de-Gier, Beaune, La Défense Jazz Festival… La musique le conduit au gré des rencontres à se produire régulièrement à l’étranger : Chine, Norvège, Pakistan, Tunisie, Canada, Iran, Liban, Turquie, Égypte, États-Unis, Tchéquie, Portugal, Suisse, Belgique, Italie, Allemagne, Vietnam, Pays-Bas, Thaïlande, Grèce, Japon, Brésil, Macédoine, Kosovo, Philippines, Angleterre, Irlande… Parallèlement à sa carrière de musicien, il est un professeur de jazz très actif au Conservatoire National Régional de Lyon.